Sejarah seni selama 100 tahun terakhir, bukan sebagai sejarah produk, karya seni, namun sebagai sejarah pengambilan keputusan dalam industri kita, adalah sejarah investor yang memperoleh kendali lebih besar atas distribusi, definisi, dan pembuatan. produk seni – dan juga siapa kita. Ini adalah sejarah kekuasaan yang semakin merosot dari orang-orang yang membuat karya menjadi orang-orang yang mengambil keuntungan dari karya tersebut. Ya, ada banyak sekali bintang seni. Namun sebagai pekerja di suatu industri, kita sedang dihancurkan menjadi debu.
Saya berpendapat, setidaknya, tanggung jawab kita sebagai seniman adalah membantu menciptakan institusi yang melindungi dan kemudian memperluas peluang bagi karya kreatif yang otonom. Tanggung jawab kami, mengingat situasi saat ini, adalah membantu membangun perekonomian yang bersimpati pada gagasan bahwa seni, sebagai akses terhadap kehidupan kreatif, adalah urusan setiap umat manusia.
Dengan mengingat hal ini, izinkan komentar berikut ini berfungsi sebagai seruan kepada para seniman untuk mendukung gagasan ekonomi partisipatif dan khususnya desain kelembagaan yang dituangkan dalam Parecon: Life After Capitalism karya Michael Albert (Verso 2003).
Kecuali kita menjadikan pembangunan institusi yang berkeadilan sosial sebagai bagian dari pemahaman kita tentang apa artinya menjadi seorang seniman, semua kata-kata yang bertele-tele tentang “konten” dan semua karya seni yang didedikasikan untuk perdamaian, kesetaraan, dan cara hidup yang lebih baik, pada akhirnya akan terjadi. pada akhirnya, hanya berfungsi sebagai bukti bahwa kita salah, bahwa kita pada dasarnya salah memahami apa yang kita lakukan. Semua hal tersebut akan menjadi bukti bahwa ketika kita perlu dan ketika kita diminta untuk membangun cara-cara yang lebih baik untuk berkreasi sebagai masyarakat, kita berpikir bahwa seni hanyalah tentang benda.
Sebuah Komentar dan Ajakan Bertindak
Selama 15 tahun terakhir saya mencari nafkah sepenuhnya sebagai seniman visual. Saya mampu melakukan ini hanya dengan melakukan pameran di luar sistem galeri akademis-museum-yang dilembagakan. Saya mengadakan pameran di luar ruangan di taman San Francisco sehingga saya dapat mengontrol distribusi karya saya dan menikmati hubungan langsung dan pribadi dengan audiens saya. Selain itu, selama sepuluh tahun, saya bekerja dengan pejabat dan seniman publik dan swasta dalam menciptakan kembali mode pameran ini hingga pada titik di mana itu adalah sesuatu yang secara tak terduga profesional, menakjubkan, mempesona dan menguntungkan – berbeda dengan rangkaian pameran “swap-swap” konvensional yang mungkin bisa ditemukan di luar tempat yang sudah ada.
Namun, model tersebut tidak mungkin dipertahankan karena alasan sederhana. Sangat sedikit seniman yang ingin meluangkan waktu dari karyanya untuk membangun sebuah organisasi. Kebanyakan seniman hanya punya satu minat: membuat karya seni dan mempromosikan diri mereka di institusi yang sudah mapan. Dengan kata lain, modus operandi yang dominan dilakukan seniman, setahu saya, adalah seniman sebagai individu dan wirausaha. Namun, dalam industri seni saat ini, kewirausahaan tidak dapat membawa konsekuensi apa pun pada kepemilikan. Pengambilan keputusan mengenai pendistribusian (pameran), apa yang dianggap sebagai karya seni penting, dan apa yang didanai, tidak ada di tangan kita, betapapun “bagusnya” karya seni kita. Keputusan yang menentukan peluang hidup kita berada di tangan kelas investor, oligarki, yang memiliki pengaruh besar terhadap dewan pengawas, baik akademis maupun museum, yayasan nirlaba, komisi seni publik, serta galeri dan rumah lelang setelahnya. bangun mereka.
Pendekatan individualis/wirausaha tidak bisa tidak mengarah pada ketergantungan total – ketergantungan pada pihak yang memiliki galeri dan mengontrol ruang pameran, pada kritikus, pada pihak yang mengontrol yayasan atau akses terhadap pendidikan, pada pihak yang mengarahkan kompetisi, pada kurator. Daftar ini tidak ada habisnya. Dan karena kita sudah sangat bergantung pada institusi-institusi dalam industri seni, kita terpaksa mengadopsi ide-ide, asumsi-asumsi dan praktik-praktik yang digunakan oleh oligarki dalam industri-industri yang mengharuskan marginalisasi kita sebagai milik kita sendiri.
Jika kami memberikan inventaris gratis kepada galeri sebelum mereka mengambil 50 atau 60 persen dari penjualan apa pun, kami mengatakan bahwa itulah sifat alaminya. Jika karya yang kami buat mengikuti sekolah seni tidak laku, itu karena masyarakat tidak berpendidikan. Jika para cognoscenti mendefinisikan karya penting sebagai karya konseptual – yaitu seni visual non-visual – kami berusaha memahami bukan menantang. Ketika kami diberitahu bahwa hanya 12 dari kami di kota berpenduduk hampir satu juta orang (San Francisco) yang dapat mencari nafkah di sistem galeri karena kami telah memilih cara hidup yang sulit, kami percaya itu.
Tapi keadaannya menjadi lebih buruk. Menurut para ahli ini, seni bukanlah sesuatu yang bernilai, melainkan sesuatu yang bernilai itu hal yang bernilai. Kita memproduksi benda yang sangat berharga itu, namun kita diberi label, sebagai kelas pekerja, dengan julukan “kelaparan.” Dan kami menerimanya! Tidak seperti para profesional terlatih lainnya, kita tidak mempunyai harapan untuk memiliki asuransi kesehatan, sedikit rasa aman, kemampuan untuk membeli rumah, memiliki anak, menyekolahkan mereka ke perguruan tinggi, pergi makan malam secara rutin, atau bahkan bepergian dengan nyaman. Sebaliknya harapan kami adalah bahwa kami akan memiliki pekerjaan kedua atau mitra untuk mendukung kami dalam melakukan pekerjaan yang mengubah orang kaya raya menjadi kaya raya. lebih baik orang.
Argumen saya adalah bahwa kita bekerja keras dalam isolasi dan menerima anggapan bahwa rata-rata orang tidak dapat benar-benar memahami pengorbanan mulia kita atau bahwa hal tersebut berada di luar kecerdasan dan kepekaan estetika masyarakat karena kita telah kehilangan kontak dengan sejarah profesi kita khususnya ketika itu. berkaitan dengan kehidupan kita di luar studio. Untuk menjadi seniman yang bebas, kita perlu terbebas dari institusi-institusi yang menuntut marginalisasi. Kita harus kembali ke dalam permainan mendefinisikan seni sendiri, mengajar seni secara mandiri di universitas, membangun gerakan dengan anggota komunitas lain dan seniman lain, mengendalikan pameran, dan menikmati hubungan langsung dan pribadi dengan publik seniman mulai dari Micheleangelo hingga Abstrak Ekspresionis dinikmati. Singkatnya, kita perlu membangun lembaga-lembaga alternatif yang memungkinkan kita mempunyai pendapat penting mengenai apa yang kita lakukan, apa yang kita buat, dan bagaimana pendistribusiannya.
Mari kita lihat Parecon karya Michael Albert, sebuah proposal yang dipikirkan dengan matang untuk ekonomi partisipatif yang akan lebih melayani kepentingan seniman sebagai seniman dan sebagai anggota komunitas yang hidup dan bernafas. Secara singkat, saya ingin membahas konsep Dewan Pekerja, Kompleksitas Pekerjaan yang Seimbang, dan Perencanaan Partisipatif dan bagaimana masing-masing hal tersebut dapat berdampak pada kehidupan kita.
Dewan Pekerja:
Kata lain dari ekonomi partisipatif adalah demokrasi. Bersama seniman lain dan anggota komunitas tempat kami tinggal, kami akan memutuskan karya apa yang akan diproduksi dan untuk tujuan apa. Saya dapat mendengar para artis meneriakkan pembunuhan berdarah saat saya mengetik: kami tidak ingin “kakak” memberi tahu kami apa yang harus kami lakukan. Sepakat. Tapi kami juga belum melakukannya dengan baik dengan sutradara. Faktanya, akan sedikit munafik jika kita mengkritik dewan pekerja tanpa terlebih dahulu melakukan sesuatu mengenai bagaimana kita diperintah saat ini. Pertimbangkan ini:
Setelah Perang Dunia II, segelintir elit ekonomi, berdasarkan hak mereka sebagai pemilik properti, bersama dengan sekutu politik dan budaya mereka mampu mengarahkan dan membentuk kehidupan seniman visual dengan cara berikut:
- Seni penting dan karier penting – meskipun gajinya sedikit – harus dipisahkan dari pengaruh Eropa.
- Seni yang memberi kesan komentar politik harus digantikan oleh seni yang memberi kesan kegelisahan psikologis – baca abstraksi.
- Pengajaran seni harus dikeluarkan dari studio dan yurisdiksi seniman ulung dan diserahkan ke tangan perwakilan perusahaan atau dewan pengawas dan ke dalam universitas.
- Sanggar itu sendiri, yang pernah menjadi tempat aktivitas sosial dan publik serta tempat pameran dan distribusi, kini harus menjadi sanggar seniman yang terisolasi dan penuh kegelisahan. Pada tahun 1970-an, studio, sebagai tempat kerja masing-masing seniman, mengalami transformasi lebih lanjut. Kini menyerupai pabrik, lantai studionya menjadi tempat kerja para asisten seniman yang mengikuti arahan seniman yang kemudian bekerja sama dengan investor/kolektor.
- Pada akhir tahun 1960an, seni lukis dan lukisan kuda-kuda, sejauh menyangkut “karya penting” dinyatakan “mati”, sehingga melemahkan akses dan kendali seniman terhadap alat produksinya.
Jadi pertanyaannya adalah: apa itu? we ingin? Dengan adanya dewan pekerja, kita, sebagai partisipan pengambil keputusan, akan menikmati kekuasaan yang jauh lebih besar atas pekerjaan dan kehidupan kita dibandingkan yang pernah kita alami sebelumnya.
Kompleks Pekerjaan yang Seimbang
Prinsip inti dari konsep ini adalah prinsip yang mungkin sudah diterima oleh sebagian besar seniman: karya kreatif adalah urusan setiap manusia. Sebagai seorang seniman yang tertarik untuk menemukan lebih banyak orang yang tanggap terhadap apa yang saya lakukan, saya melihat kemungkinan yang sangat menarik bahwa setiap orang bisa mempunyai kesempatan untuk terlibat dalam karya kreatif. Memang benar, jika peluang saya untuk mencari nafkah sebagai orang yang kreatif sedang terancam, seperti yang terjadi sekarang, maka saya berkepentingan untuk melibatkan sebanyak mungkin orang dalam karya kreatif; artinya, bekerja tidak hanya di mana pekerja juga mengambil keputusan tetapi bekerja di mana proses kreatif merupakan inti dari proses kerja.
Dalam membantu merancang kompleks pekerjaan yang seimbang, kita harus berkontribusi banyak. Pekerjaan kita tidak diatur oleh waktu. Kami menyediakan waktu untuk refleksi. Dimensi estetika selalu menjadi hal yang terpenting. Pikiran dan tubuh tidak terpisah. Mungkinkah memainkan peran yang berarti dalam membantu membangun cara kerja yang berakar pada banyak pengetahuan yang kita miliki merupakan sebuah pengalaman berharga? Apakah diskusi berkelanjutan seperti ini dengan komunitas yang lebih luas akan memuaskan? Mungkinkah hal ini tidak memperluas minat terhadap apa yang kita lakukan? Apakah kontak pribadi semacam ini akan menjadi penyeimbang bagi isolasi studio?
Selain itu, para seniman sudah sangat terlibat dalam apa yang disebut sebagai kompleks pekerjaan yang seimbang. Jika kita seorang pelukis, kita sudah menjadi fotografer, perancang web, manajer milis, pemasar, promotor, pembuat bingkai, penulis hibah, dan pembuat aplikasi ahli. Kalau kita punya pekerjaan selain membuat karya seni, kita makin diperluas. Dalam perekonomian partisipatif, sebagian besar pekerjaan kompetitif, seperti membuat lamaran, mungkin dikurangi demi pengajaran dan berbagi pengetahuan kita tentang desain, warna, tulisan, lagu, tari, teater, dan berbagai pertimbangan estetika lainnya dengan populasi yang belum mempunyai kesempatan, dalam kehidupan sehari-hari, untuk mengeksplorasi berbagai cara untuk menyelesaikan tugas-tugas yang berguna secara sosial secara kreatif dan bermanfaat.
Perencanaan Partisipatif
Perencanaan Partisipatif adalah perundingan antara dewan pekerja dan konsumen yang dimaksudkan untuk menggantikan sistem distribusi pasar, yaitu sistem distribusi yang berdasarkan pada harga dan kemampuan membayar seseorang. Penting untuk diketahui bahwa meskipun berbagai hubungan pasar telah ada secara praktis selamanya, dalam sebagian besar sejarah manusia, hubungan sosial (kekerabatan, komunal, agama, politik) ada terpisah dari hubungan jual beli. Namun secara historis, kita hidup dalam periode yang sangat tidak biasa – periode di mana hampir semua hubungan sosial kita terjadi tertanam dalam pasar, di mana keputusan mengenai apa yang kita buat, siapa yang memperoleh akses terhadap hal tersebut, bagaimana kita hidup dan menggunakan waktu kita ditentukan oleh faktor harga dan keuntungan yang bersifat impersonal. Tapi ini adalah anomali sejarah, sebuah konvensi yang bisa diubah.
Kedua, ironi bagi para seniman dalam hal ini adalah bahwa hubungan pasar yang kita masuki untuk mendapatkan akses terhadap sarana hidup cenderung hanya menguntungkan kelompok yang sangat kaya, terutama karena mekanisme perencanaan telah dimasukkan ke dalam pasar. Namun mekanisme perencanaan ini, tidak seperti model partisipatif yang didukung oleh Albert, bersifat eksklusif dan elitis. Jika Anda memiliki keraguan yang kuat terhadap tantangan kekuatan pasar dalam distribusi, sebagai seorang seniman Anda seharusnya sudah cukup kecewa. Para investor dan pemilik kebudayaan cukup mahir dalam menggunakan serangkaian mekanisme perencanaan – komisi seni dan balai lelang yang memanfaatkan kekuatan pasar, misalnya, untuk mengendalikan angsa yang bertelur emas.
Pertanyaannya adalah, jika mekanisme perencanaan pasar sudah ada, mengapa kita membiarkan mekanisme tersebut dikendalikan oleh segelintir orang yang kepentingannya berlawanan dengan kepentingan kita? Dan bisa dibilang bertentangan dengan kepentingan banyak orang? jika kita adalah angsa yang bertelur emas, bagaimana bisa telur emas kita yang berharga diambil dari kita? Dengan kerja sama kita?
Kecurigaan saya adalah bahwa kita terlalu sibuk membuat karya seni sehingga tidak bisa melihat dengan baik matriks institusional yang membuat kita tidak bisa berbuat apa-apa. Salah satu contoh yang baik dalam hal ini adalah penerimaan kita terhadap salah satu mekanisme perencanaan yang dirancang untuk memitigasi pengaruh populer di bidang seni: perusahaan kepentingan publik, yang lebih dikenal sebagai organisasi nirlaba.
Organisasi nirlaba adalah mekanisme perencanaan. Mereka dijalankan oleh elit masyarakat, umumnya dengan perwakilan seniman, dengan tujuan melindungi budaya dalam lingkungan pasar dari pengaruh yang mempopulerkan. Sosiolog Paul DiMaggio mencatat bahwa organisasi nirlaba, meskipun mengklaim melayani seluruh komunitas, sebenarnya berfungsi untuk membingungkan seni dan memisahkan komunitas dari dunia seni dan seniman. Alice Goldfarb Marquis sependapat dan menunjuk pada dunia museum, opera, dan simfoni yang “berseni tinggi” di mana elit keuangan dan sosial menggunakan mekanisme perencanaan nirlaba untuk tujuan yang sama. Dia mencatat bahwa penangkapan budaya ini sering kali dicapai dengan “menempelkan lapisan altruistik dan mengejar moral di atas aktivitas yang pada dasarnya mementingkan diri sendiri.” Para donor dan wali yang kaya, jelasnya lebih lanjut, telah lama bersekutu dengan “intelektual dan kritikus liberal dan reformis yang memandang diri mereka sebagai penjaga budaya tinggi” dan yang telah berkampanye “melawan hampir setiap inovasi artistik dalam dua abad terakhir.”
Organisasi nirlaba sebagai instrumen perencanaan oleh kelas investor mungkin paling terlihat dalam penciptaan “pusat seni.” Dalam pendirian Lincoln Center di New York City dan Yerba Buena Center for the Arts di San Francisco, misalnya, kepentingan pembangunan kembali bersama dengan elit budaya dan organisasi nirlaba menggunakan retorika akses publik terhadap seni untuk memperoleh kendali monopoli atas seni. distribusi produk seni. “Pusat seni” mereka kemudian menjadi tempat diadakannya acara seni mewah yang chic untuk menjadi jangkar bagi sejumlah hotel, restoran, dan pengecer kelas atas yang memberikan dividen kompetitif kepada investor real estat. Banyak dari kita bekerja dengan organisasi nirlaba dan melakukan yang terbaik untuk membuat mereka berfungsi dengan cara yang melayani masyarakat. Namun saya harus bertanya, bukankah kita selalu miskin? Bahwa kita selalu memohon kepada orang kaya? Bahwa organisasi nirlaba kami tidak berdedikasi untuk menantang paradigma seniman yang kelaparan atau memperkuat keterlibatan publik sebagai pengambil keputusan?
Seniman masa kini tidak bisa melakukan keduanya. Kita tidak bisa lari dari alternatif pasar parecon atas nama kebebasan artistik dan pada saat yang sama memainkan peran kita sebagai pendukung dalam mekanisme perencanaan yang ada yang memungkinkan orang terkaya di antara kita untuk mengarahkan dan mengendalikan semua yang kita lakukan.
Kesimpulan
Saya tidak mengkritik niat para seniman. Kami berkontribusi banyak pada aksi unjuk rasa, pawai, dan berbagai pameran, drama, musik, dan cerita yang menentang perang dan ketidakadilan. Kekhawatiran saya adalah semangat seni ini bukan bagian dari kritik institusional. Kita memerlukan kritik terhadap institusi kita agar kita dapat mengembangkan strategi konkrit untuk membangun institusi baru. Seniman yang menentang perang, misalnya saja, mungkin akan lebih efektif jika menggunakan bakat kreatif mereka untuk membangun institusi yang membuat perang seperti di Irak tidak mungkin terjadi. Seniman yang baik dan keadilan yang dicari oleh seniman yang baik tidak akan ada kecuali kita terlebih dahulu menciptakan institusi yang membutuhkan keduanya.
Sejarah kita penuh dengan transformasi seperti itu. Walaupun periode Impresi sering disebut sebagai gerakan di mana seni visual pertama kali diejek dan kemudian diterima sebagai masa depan, mari kita ingat bahwa hal ini diejek bukan oleh masyarakat awam yang membutuhkan pendidikan, namun oleh mereka yang terpelajar dan berkuasa yang memiliki kendali atas budaya. untuk dihilangkan. Impresionisme adalah serangan frontal yang dilakukan seniman terhadap institusi seni yang menurut para seniman pemberontak membangun penghalang buatan antara mereka dan publik.
Ditto jazz, rock'n roll, dan Beethoven. Ingat juga bahwa Michelangelo mengatakan tentang sebuah patung bahwa hanya dengan “cahaya lapangan umum” maka patung itu dapat dinilai. Intinya kita sebagai seniman adalah bagian dari masyarakat dan kita bagian dari komunitas. Tidak lebih baik. Tidak lebih buruk. Dan bersama-sama kita perlu mendapatkan kembali kendali atas hidup kita untuk menjadi seniman yang kita inginkan. Peluang terbaik kita adalah menciptakan institusi yang diperlukan untuk memberikan suara kita pembelian terbaik. Institusi demokrasi. Ekonomi partisipatif. parecon.
Saya yakin, penting untuk mengeksplorasi lebih jauh kepekaan artistik yang tersebar luas 100 tahun yang lalu, kepekaan yang menyarankan revolusi memerlukan tarian, yang menyarankan bahwa jika yang kita ciptakan bukanlah dunia yang lebih baik, apa gunanya karya kita? Menciptakan institusi yang lebih baik, dimana suara kita didengar secara bermakna, merupakan tanggung jawab kita dan merupakan solusi pragmatis. Itu juga harus menjadi seni kita. Seperti yang dikatakan Bertolt Brecht, “mengalirkan sungai, mengarungi pohon buah-buahan, mendidik seseorang, mengubah negara… adalah contoh kritik yang bermanfaat dan pada saat yang sama merupakan contoh seni.”
ZNetwork didanai semata-mata melalui kemurahan hati para pembacanya.
Menyumbangkan